Najlepszy realizm magiczny w filmie „Od bycia Johnem Malkovichem do Birdmana”

Realizm magiczny to gatunek trudny do zdefiniowania, ponieważ często tworzy scenerię, która plasuje się gdzieś pomiędzy naszą rzeczywistością a surrealistyczną fantazją. Gatunek, który stał się niezwykle popularny w XX wieku ze względu na jego powszechność w literaturze Ameryki Łacińskiej, stale zyskuje na popularności w kinie na całym świecie. W tym gatunku fantastyczne sytuacje często mają miejsce w realistycznych sceneriach, co skutkuje mitycznymi wydarzeniami, z którymi bohater musi albo walczyć, albo się z nimi liczyć. Jednak każdy z poniższych filmów, z umysłów twórców filmowych, począwszy od Spike’a Jonze’a Do Alejandro G. Iñárrititi, wykraczać poza te parametry; wykorzystują realizm magiczny do tworzenia metafor kondycji ludzkiej w unikalny sposób, a tym samym wyostrzają swoje historie znacznie bardziej, niż gdyby trzymali się standardowego realistycznego świata.

POWIĄZANE: Jak „Clara Sola” wykorzystuje realizm magiczny, aby pokazać podróż swojej bohaterki

Jak woda dla czekolady (1992)

jak woda na czekoladę

Na podstawie powieści z 1989 roku pod tym samym tytułem autorstwa Laurę Esquivel , ten romantyczny dramat meksykańskiego reżysera Alfonsa Arau zdobył 10 nagród Ariel i był nominowany na 47. ceremonii rozdania nagród Brytyjskiej Akademii Filmowej. Fabuła opowiada o młodej kobiecie o imieniu Tita ( Lumi Cavazos ), która mieszka z kontrolującą matką ( Regina Torne ) w Meksyku na początku XX wieku. Kiedy Tita odkrywa, że ​​tradycja zabrania jej poślubić miłość swojego życia, Pedro ( Marco Leonardiego ), w gotowanie przelewa swoje intensywne emocje.

Z pierwszego ujęcia Jak woda na czekoladę , nie można od razu założyć, że film jest opowieścią o realizmie magicznym. Jednak na tym polega świetność tego gatunku, jeśli jest dobrze zrobiony: sceneria, postacie i ton filmu wydają się realistyczne, ale gdy frustracja i smutek Tity dosłownie przelewają się do jedzenia, rezultaty są tajemnicze i okultystyczne. W jednej z pamiętnych scen łzy Tity spadające na ciasto powodują niepohamowany płacz każdego gościa przy stole, który zjadł ciasto. Arau płynnie łączy w całym filmie momenty fantazji i rzeczywistości, splatając je w jedną piękną, często tragiczną podróż dla Tity.

Przyjemne (1998)

Ta komedia dla nastolatków autorstwa scenarzysty i reżysera Gary'ego Rossa prowadzony jest przez gwiazdorską obsadę, m.in Reese Witherspoon , Tobey’a Maguire’a , I Johna Allena . Zupełnie przeciwne rodzeństwo David (Maguire) i Jennifer (Witherspoon) nieustannie się ze sobą kłócą. Kiedy pewnego dnia kłócą się o pilota telewizyjnego, w niewytłumaczalny sposób trafiają do ulubionego programu telewizyjnego Davida, serialu komediowego z lat pięćdziesiątych.

Realizm magiczny często podnosi przesłanie opowieści poprzez jej przesadę. Rzeczywiście, Ross pięknie porusza się po tej historii. Ross ilustruje konflikt, który pojawia się, gdy tłumimy nasze wewnętrzne emocje poprzez fizyczną zmianę kolorów u Davida i Jennifer, gdy radzą sobie w nowym życiu Pleasantville . To wyjątkowe wykorzystanie realizmu magicznego, aby odzwierciedlić trudności, jakie pojawiają się zarówno w okresie dojrzewania, jak i dorosłości.

Być jak John Malkovich (1999)

John Malkovich w Być jak John Malkovich

Kapryśny geniusz reżysera Jonze’a i scenarzysty Charliego Kaufmana połączyli siły w tej kultowej komedii, która była nominowana do trzech Oscarów, w tym za najlepszy scenariusz. Fabuła opowiada historię bezrobotnego lalkarza Craiga ( Johna Cusacka ), który odkrywa, że ​​może wejść do umysłu uznanego aktora Johna Malkovicha . Malkovich odgrywa w filmie satyrę na samego siebie, czego efektem jest niezwykle oryginalna historia, w której splatają się idee istnienia, sztuki i tożsamości.

Kaufman znany jest ze swojej surrealistycznej, egzystencjalnej twórczości, ale Być Johnem Malkovichem wyróżnia się jako jedno z jego najlepszych zastosowań realizmu magicznego. Granice między rzeczywistością a fantazją często się zacierają, ale nie marnuje się ani jednej fantastycznej chwili. Każda scena przesiąknięta jest charakterystyczną dla Kaufmana ironią i dowcipem.

Amelia (2001)

Film, który rozsławił małą kawiarnię na Montmartrze dzięki wykorzystaniu jej jako miejsca kręcenia filmów, Amelia szybko stał się jednym z powszechnie lubianych filmów francuskich po premierze. Dyrektor Jean-Pierre'a Jeuneta zdobył nagrodę dla najlepszego reżysera podczas ceremonii rozdania Cezarów, a także był łącznie nominowany do pięciu Oscarów. Fabuła opowiada o introwertycznej kelnerce Amélie Poulain ( Audrey Tautou ), która w poszukiwaniu sensu postanawia dokonywać wyłącznie dobrych uczynków, aby zmienić życie otaczających ją osób.

Już od pierwszej klatki filmu, z nasyconymi kolorami, kapryśną muzyką i szybkim tempem montażu widać, że akcja nie do końca ma odniesienie do rzeczywistości. Gdyby jednak Jeunet zdecydował się uczynić ten film całkowicie realistycznym, przesłanie zostałoby całkowicie utracone. Amélie to niezapomniana bohaterka, która desperacko pragnie nadać sens społeczeństwu. Tylko dzięki wizjonerskiemu, wyjątkowemu wykorzystaniu realizmu magicznego, który łączy surrealizm z codziennością współczesnego Paryża, widzowie mogą zobaczyć świat jej oczami.

Duża ryba (2003)

Ten Tima Burtona klasyk, który zawiera wszystkie znaki towarowe Burtona, od projektu produkcji na dużą skalę po eteryczne, zjawiskowe postacie, został oparty na filmie z 1998 roku. Daniela Wallace’a powieść o tym samym tytule. Ten uznany dramat fantasy zdobył sześć nominacji do nagrody BAFTA, a także nominację do Oscara za najlepszą muzykę oryginalną dla długoletniego współpracownika Burtona Danny’ego Elfmana . Kiedy zakwitnie ( Billy’ego Crudupa ) dowiaduje się o chorobie swojego starzejącego się ojca Edwarda, wyjeżdża, aby z nim porozmawiać, póki ma jeszcze czas. Pomimo sceptycyzmu Willa wobec dziwacznych historii ojca, postanawia zbadać te opowieści i stara się oddzielić to, co jest prawdziwe, od tego, co nie.

Duża część realizmu magicznego w filmie opiera się na trudności Willa Blooma w odróżnieniu fantazji od rzeczywistości. Burton dokładnie wie, jak połączyć te dwie rzeczy, aby stworzyć świat, który nie jest ani całkowicie realistyczny, ani całkowicie wymyślony. W jednej z najbardziej pamiętnych scen opowiada Edward Bloom: Mówią, że kiedy spotykasz miłość swojego życia, czas się zatrzymuje. W tej chwili Burton zamraża wszystko w cyrku z wyjątkiem młodego Eda ( Ewana McGregora ), gdy zbliża się do młodej Sandry ( Alison Lohman ), po czym ponownie wszystko przyspieszy. To właśnie wykorzystanie realizmu magicznego, które wyolbrzymia prawdę, pozwala Burtonowi w wyjątkowy sposób przekazać piękno życia.

Czarny łabędź (2009)

Nina (Natalie Portman) tańczy jako Biały Łabędź w Czarnym Łabędziu (2010).

Darrena Aronofsky’ego Thriller psychologiczny udowadnia, że ​​realizm magiczny może przejawić się w każdym gatunku i nadal świetnie się sprawdza. Rzeczywiście, motyw obsesji w filmie głęboko odbił się echem wśród widzów i został pozytywnie przyjęty przez krytyków po premierze na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 2010 roku. Po ustaleniu baletnica Nina Sayers ( Natalie Portman ) zostaje obsadzona w podwójnej roli Królowej Łabędzi we wznowieniu Jeziora Łabędziego przez jej zespół, powoli popada w szaleństwo, próbując udowodnić teatrowi i sobie, że jest idealna do tej roli.

Początek filmu, choć utrzymany w wyraźnie eterycznym tonie, nadal osadzony jest w realizmie. Wszystko wydaje się w porządku w świecie Niny, dopóki presja związana z pracą nie wzrasta, a ona zaczyna słyszeć i widzieć rzeczy, których w rzeczywistości nie ma. Nina konkuruje ze swoim całkowitym przeciwieństwem, bez wysiłku uroczą Lily ( Mila też jest ), Aronofsky używa mroczniejszego, bardziej złowrogiego realizmu magicznego, aby przeciwstawić swoją rzeczywistość swoim iluzjom. To potęguje przekonanie, że doskonałość jest nieosiągalna i podkreśla konsekwencje, jakie może przynieść tak silna obsesja.

Bestie z południowych krain (2012)

Quvenzhané Walia przeszła do historii dzięki temu filmowi podczas rozdania Oscarów w 2013 roku, będąc najmłodszą w wieku 9 lat nominowaną w kategorii Najlepsza Aktorka. Nominacja była w pełni zasłużona, ponieważ Wallis zmienia się w Hushpuppy, bystre i pomysłowe dziecko. Hushpuppy podróżuje przez zalaną społeczność na Bayou w Luizjanie, próbując zrozumieć trudną relację z ojcem Winkiem ( Dwighta Henry’ego ), którego stan zdrowia gwałtownie się pogarsza.

Świat filmu widziany jest oczami Hushpuppy’ego, a każda klatka jest przepełniona pięknem i magią cudów dzieciństwa. Jednak reżyser Bena Zeitlina powoli zaczyna integrować elementy realizmu magicznego, gdy Hushpuppy zaczyna stawiać czoła prehistorycznym stworzeniom zwanym turami. W ten sposób Zeitlin odzwierciedla prawdziwe problemy Hushpuppy’ego za pomocą wyimaginowanych przeszkód. To doskonałe wykorzystanie tej techniki i punkt obowiązkowy dla występu Wallisa.

Człowiek-ptaszek (2014)

Michael Keaton w „Birdman, czyli (niespodziewana cnota ignorancji)”

To czarna komedia reżysera Iñárritu, który zdobył cztery Oscary, w tym dla najlepszego reżysera i najlepszego filmu. Riggana Thompsona ( Michaela Keatona ) to dawny gwiazdor filmów akcji, który postanawia zadebiutować na Broadwayu w adaptacji sztuki. Jednak w miarę jak szereg przeszkód poprzedzających premierę zaczyna narastać, Riggan zaczyna wątpić, czy zasługuje na miano szanowanego artysty.

Kiedy po raz pierwszy widzimy Riggana w filmie, siedzi ze skrzyżowanymi nogami i lewituje w powietrzu. Jednak nie znajduje się w magicznym otoczeniu. Znajduje się w słabo oświetlonej, brudnej, przeciętnej garderobie teatralnej. W całym filmie Iñárritu wykorzystuje dokładnie to zestawienie rzeczywistości i surrealizmu, aby podkreślić maniakalny charakter stanu emocjonalnego Riggana. To w połączeniu z legendarnym operatorem Emmanuel Lubzeki długie, stabilne ujęcia tworzą piękne, często hipnotyczne wykorzystanie realizmu magicznego.

Granica (2018)

Ten Swedish film from direcDor and co-writer Ali Abbasi to niezapomniana opowieść, która wniosła zupełnie nową warstwę do gatunku fantasy. Na podstawie opowiadania szwedzkiego pisarza Ajvide Lindqvist Film został dobrze przyjęty na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2018 roku i był nominowany do nagrody Akademii w kategorii Najlepsza charakteryzacja i fryzura na 91. ceremonii rozdania Oscarów. Fabuła podąża za celniczką Tiną ( Ewa Melander ), która wykorzystuje swój wyraźnie wyostrzony węch do wykrywania nielegalnej kontrabandy w walizkach. Jednak wszystko, co wie o sobie i swoim świecie, zostaje wystawione na próbę, gdy spotyka tajemniczego Vore’a ( Eero Milonoffa ).

Na początku filmu świat otaczający Vore i Tinę wygląda dokładnie tak, jak nasz na co dzień. Jednak tę dwójkę tworzy więź. Tina, mimo że wie, że jest inna, zdaje sobie sprawę, że w jej tożsamości kryje się coś więcej, niż mogła się kiedykolwiek spodziewać. Abbasi łączy elementy horroru, zjawisk nadprzyrodzonych i realizmu magicznego, aby unieść emocjonalną podróż Tiny. Wszystko jest kliniczne i sterylne, dopóki nie odkryje magii i piękna w życiu z Vore. To realizm magiczny daje Tinie nowe poczucie nadziei i ostatecznie tworzy jeden z najbardziej nieprzewidywalnych filmów w gatunku.